Freiband ‎– Leise


Crónica – Crónica 026~2006

1. Knippers (1:45)      
2. Bij (6:19)    
3. Krassen (4:15)        
4. Paarden (2:57)        
5. Kraan (3:00)           
6. Vuur (5:16) 
7. Storm (4:06)           
8. Daisee (5:25)          
9. Rammel (3:06)        
10. De Kabale Brug (3:09)

    Возможность находить нечто хотя бы что-то музыкальное в, казалось бы, самых бесперспективных в этом плане шумах – отличительная особенность музыкантов, посвятивших себя экспериментальной музыке. Франс де Ваард обладает редким чутьем в этой области, собственно, все наглядно демонстрирует его концепция «переработанного звука», ставшая основой творчества его проекта «Kapotte Musiek» и ряда других воплощений его активности, одним из которых стал «Freiband». Франс редко сочиняет что-то сам, зато постоянно перерабатывает все, что попадется под руку: полевые записи, материал, записанный его коллегами по сцене или поп-звездами, которые могут и не подозревать о новой жизни своих хитов, звуки окружающих его вещей. Альбом «Leise» демонстрирует преемственность поколений: за дело отца взялась его дочь, тогда еще трехлетняя Эльзе.  

     Название диска – анаграмма ее имени, звучание диска – анаграмма (применим этот термин к музыке, в данном случае он очень подходит) шумов, которые может создать ребенок, если его оставить в комнате, набитой «инструментами», которые отец использует для записи треков «Kapotte Musiek». Стекло, пластик, листы железа, деревяшки…обычный мусор, среди которого наверняка затерялись детские игрушки с их навязчивыми пищащими мелодиями – одним словом, все то, что способно вызвать восторг (если только сам процесс взаимодействия ребенка и такого количества небезопасных предметов находится под контролем родителей) у маленького человечка. Восторженным смехом и «утютюканием» «Leise» начинается и заканчивается, остальное время занято манипуляциями с исходными записями, из которых отец главной героини создает слегка зашумленные эмбиентные зарисовки, все дальше и дальше выходящие за границы музыкальной теории, в выхолощенные от любого гармоничного присутствия глитчевые зоны современной электронной музыки. Искаженные синусоиды вибрирующих эмбиентных петель, стук, шорох, царапанье, писк, ритмические циклы из щелчков и потрескиваний, уходящие в замораживающую статику и в трескучее пространство тихих, бесприютных и неопознанных сигналов. Скрипучие помехи, опутывающие шуршащим облаком гулкие вибрации железных листов. Шероховатый статичный гул, шумовая динамика, постоянное движение закольцованных объектов. Франс де Ваард создает из всего этого антимузыку, хорошо ложащуюся на слух и содержащую добрую толику позитивной энергетики, ребячества, которое может дать в итоге серьезные результаты. Любителям микросаунда, глитча, зашумленного дрона, конкретной музыки и  минималистических изысков, в которых автор «Freiband» явно преуспел, рекомендуется послушать «Leise» на большой громкости и не один раз.

http://www.cronicaelectronica.org

Advertisements

Ephraim Wegner & Julia Weinmann ‎– Eins Bis Sechzehn

R-3784087-1344269753-4773
Crónica – Crónica 069~2012

1. 1_1             
2. 2_1 2_2                 
3. 3_1 3_2 3_3                      
4. 4_1 4_2 4_3 4_4               
5. 5_1 5_2 5_3 5_4 5_5                    
6. 6_1

     Все знают, как «звучит» работающий отель, или гостиница, или хостел, да любое место, построенное для того, чтобы давать на время приют людям, денно и нощно пропуская через себя массы постояльцев, шум безликой толпы с ее бесконечным гомоном, приправленный легкими мелодиями в лифте, ничего не значащими любезностями персонала, звоном передаваемых через стойку ключей и грохотом чемоданов, которые большинство из посетителей собирали с одной целью – покинуть привычную среду обитания. Наверное, многие догадываются, как звучит отель пустой, заброшенный, предоставленный на волю всюду проникающей природы – тем же, кто имеет об этом смутное представление, рекомендую обратиться к этому релизу португальского лейбла «Cronica Electronica». «Eins Bis Sechzehn», прямо скажем, относится к тем издательским чудесам, которые призваны исключить тот или иной музыкальный продукт из потребительской цепочки «скачал-послушал-забыл». Это не просто компакт-диск с информацией «для ушей» – это аудиовизуальный проект, нестандартный конверт, плотно набитый снимками Джулии Вейнманн, которые дополняют не очень продолжительные, но, безусловно, содержательные треки Эфраима Вегнера, являясь важной частью релиза, без которой понимание его сути и идеи будет не полным. Все снимки и звуки получены во время блужданий по заброшенным зданиям отелей, которые, притихнув от неожиданно обрушившейся на них тишины и всюду проникающей пустоты, медленно разрушаются, давая приют лишь насекомым и мелкой живности. Отредактированные записи Вегнера дают возможность услышать «разруху» во всей красе: дребезжание ставень, гул ржавых, местами выпавших из стен труб, скрип поломанного паркета, стон гуляющего по пустым лестницам ветра, лампочки, лопающиеся под ногами с сухим, рассыпающимся мелкой крошкой звуком. Безрадостная и даже гнетущая с точки зрения прагматика (или же инвестора) картина неожиданно предстает очень интересной и насыщенной, позволяя авторам подводить под грохот  отваливающихся настенных панелей и шорох одиноких шагов философский базис, включающий в себя рассуждения о цикле жизни, о том, что природа все равно вернет все на свои места, разрывая бетонные стены стеблями травы. И знаете что? В эту философию разрушения/созидания начинаешь верить очень быстро. Хотя бы потому, что сквозь оконную раму, в которой нет стекла, крики чаек на морском побережье, которых раньше, надо думать, спугивали толпы отдыхающих, слышаться громче и четче. Да и море, вид на который лишен искусственных ограничений, становится намного ближе.

http://www.cronicaelectronica.org

Ищу работу

Оказалось, что это не так просто сделать в столице нашей Родины. Видимо, подошел к той критической стадии, когда привычная отговорка "согласен на все, кроме криминала и проституции" начинает приобретать пугающее значение. Тем не менее, надо кормить семью и немного себя – поэтому позволю себе отойти от тематики данного блога и поинтересоваться у друзей, знакомых и просто прохожих насчет какой-либо работы не связанной с идеологией обвзона "клиентов" и впаривания всякой фигни (это совершенно не мое, проверено еще в студенческие годы). Могу предложить мозги, опыт и руки, растущие, надеюсь, из отведенного Природой места. Если что у кого есть на примете – пишите в личку, буду благодарен.

If, Bwana with/and/by Trio Scordatura ‎– E (And Sometimes Why)

if
Pogus Productions – P21062-2, 2012

CD1:

1. Gilmore's Girls (8:54)          
2. E. (And Sometimes Why) (14:58)   
3. The Tempest, Fuggit (20:12)           
4. Cicada 4AA (8:07) 

CD2:

1. All For Al(frun) (14:35)      
2.  Ringing (Ano)the(r) Bell (15:26)     
3.  Diapson, Maybe (25:55)

      Эл Марголис (If, Bwana) –пионер экспериментальной музыки, активный деятель американского авангардного искусства, исследующий музыку, обнажающий ее суть, перебирающий и препарирующий ее базовые молекулы. Начинал он свою деятельность с шумовых пленочных экспериментов, теперь же использует возможности лэптопа. Известность ему принесли сольные релизы и выступления, но пришло время заявить о себе как о композиторе «новой музыки», чьи работы могут исполняться другими исполнителями и коллективами. Продолжая эту тему (начатую предыдущим, еще «сольным» альбомом «Assemble.Age!»), Эл демонстрирует на «E (And Sometimes Why)» плоды своего сотрудничества с участниками «Trio Scordatura» (голоса, виолончель, синтезатор) из Амстердама и приглашенными артистами.

     Музыканты, ориентируясь в большей степени на академический авангард и, в степени меньшей, на импровизационный джаз, не забывая о «конкретной музыке», терзают инструменты и свои глотки, выстраивая художественные конструкции, пространство которых объединяет музыку, поэзию (spoken word как часть артистических попыток проникнуть в Гипертекст) и перфоманс (или события, которые интеллектуалы способны принять за перфоманс). На первой половине «E (And Sometimes Why)» Марголис сотоварищи создают абстрактные и изменчивые конструкции, искажающие привычные формы музыки, наполненные при этом вполне уловимым эхом тех событий и культурных канонов, которые повлияли на их создателей. От дуэта виолончели и голоса (когда дрожащие струны стремятся обрести черты человеческой речи, а речь, напротив, «деградирует» до спорадических потрескиваний и пощелкиваний птичьего щебета), от двойственных смыслов фрагментарного текста, вызывающего в памяти и битников, и артистические сквоты, музыка эволюционирует до псевдоакадемических форм («All For Al(frun)» и хоральные прелюдии «Ringing (Ano)the(r) Bell»), безусловно, меняя их, подстраивая симфонические реалии под себя. На этом пути слушатель может застрять в замкнутом пространстве «The Tempest, Fuggit», где слышится и видится уже что-то совершенно Линчевское, если не Кафкианское – абсурд, образующий плотную, исключающую побег в реальность стену. Сильнее всего присутствие самого Марголиса как мастера лэптопной электроники ощущается в «Cicada 4AA», когда он сворачивает вихри из механических звуков, вызванных к жизни путем нервного и немного разрушительного контакта со всеми выступающими частями инструмента одновременно. Также интересна абсолютно самодостаточная  композиция «Diapson, Maybe» – Моник Биццарте выдувает из тромбона статический гул, позволяя практически созерцать то, из чего состоит его туго натянутая поверхность, в то время, как участники «Trio Scordatura» аккуратно очищают ее от всего наносного, обнажая природу звука. «E (And Sometimes Why)», возможно, слишком эстетская вещь (но без снобизма), чтобы быть принятой широкими массами слушателей. Возможно, только сами исполнители и понимали, зачем они это делали, а, может быть, даже не пытались этого понять, просто дав музыке в ее не самой умилительно-простой форме пожить своей жизнью.      

http://www.pogus.com

Celer ‎– Tightrope

celer
Low Point – LP046, 2012

      Для каждой из двадцати четырех частей, сплетенных в натянутый канат этого альбома «Celer» Уилл Лонг заботливо придумал название, разместив их все на развороте digipack`a. При этом разделить семьдесят минут «Tightrope» на какие-то четко очерченные фрагменты попросту невозможно: музыкант не просто отправляет их в странствие друг за другом, он переплетает их между собой, не оставляя зазоров для тишины, отщепляет от основной массы звуки и вытягивает их, изменяя структуру привычных и порой совершенно не мелодичных шумов повседневности до загадочного марева очень минималистического и нереально красивого эмбиента.

     В ноябре 2010 года Уилл отправился в Токио, чтобы продвигать свой совместный альбом с Юи Онодера «Genetic City», а также участвовать в перфомансах и выступлениях его друзей. Видимо, уже тогда у него родилась идея переехать в Японию на постоянное жительство, да и вообще, наверняка при таких переменах в жизни в голове музыканта ютились тысячи мыслей, порой неподконтрольных сознанию. Вот почему, говоря об этом альбоме, он называет его сплетенным из обрывков воспоминаний, всего того, чтобы было уловлено в реальности и на грани сна, что было записано в повседневном окружении Лонга. Он перечисляет все, что оставило свой след на «Tightrope»: фортепиано, акустическая гитара, дробящийся лед, шум машины, рингтон телефона, монотонные сигналы медицинского оборудования и многое другое, к чему смог прикоснуться контактный микрофон, передавая полученные записи на лэптоп музыканта. Записи эти растянулись, исказились, превратились в бесконечно долго гаснущие вспышки далеких вечерних огней или проникающие друг в друга звуковые нити, чуть напряженно подрагивающие застывшим басом. Замечу, что дремотная музыка «Celer», создаваемая теперь, по известным причинам, только Уиллом, тяготеет к более (ЕЩЕ более) обтекаемым формам, обходясь без участия срывающихся на очень высокие и сильно резонирующие частоты элементов. Так что «Tightrope» предлагает нам встречу с очень комфортными, искренними, туманно-абстрактными эмбиентными пейзажами, создающими особое настроение у слушателя, даже если звучат они в фоновом режиме.

http://www.thesingularwe.org/celer

Klaus Schulze ‎– Big In Japan (Live In Tokyo 2010)

Schulze Tokyo
MIG – MiG 00410 2CD/DVD, 2011

CD1:

1. The Crystal Returns (38:03)
2. Sequencers Are Beautiful (39:00)   

CD2:

1. La Joyeuse Apocalypse (46:35)      
2. Nippon Benefit (14:10)       
3. The Deductive Approach (12:12)   

DVD:

1. La Joyeuse Apocalypse (47:28)      
2. The Deductive Approach (13:33)   
3. Nippon Benefit (16:38)

      В последнее десятилетие Клаус Шульце не часто радует поклонников живыми выступлениями (хотя с Лизой Джеральд он активно прокатился по Европе с концертами), перерыв между событием,  о котором идет речь и которое случилось в Токио 20-21 марта 2010 года, и последним сольным выходом на сцену «дедушки электронной музыки» составил семь лет. Но есть предложения, от которых трудно отказаться – таким стало предложение от японского поклонника Гена Фудзиты, который пригласил Клауса в Страну Восходящего Солнца и проделал большую организаторскую работу, собрав целую команду, стараниями которой удалось привести с собой из студии Шульца массу винтажного и аналогового оборудования, «не выездных» до этого девайсов, которые и составили в свое время основу фирменного звучания немца и помогли ему раскрывать в полной мере свои идеи.

    Предлагаемый релиз является американской версией «Big in Japan», отличной от «японской» и «европейской» версий содержанием DVD – видимо, чтобы увидеть весь концерт целиком, нужно собрать все три варианта издания. Впрочем, представленное видео дает отличную возможность увидеть Клауса за работой, в окружении множества синтезаторов на огромной сцене, на фоне видеопроекций – и это стоит увидеть. Два CD-диска в разных изданиях ничем не отличаются, зато доставляют поклонникам Шульце массу удовольствия и приятных, а порой и неожиданных сюрпризов. Конечно, сам факт того, что есть возможность услышать новый материал Клауса – уже подарок, но есть здесь и то, отчего душа фаната должна воспеть от счастья. Прежде всего, это исполнение классической и самой «хитовой» композиции «Crystal Lakes» с альбома «Mirage», обретшей новое звучание и символично названной «The Crystal Returns». Все на месте: и звенящие ксилофоны (всегда воспринимаемые мною как «наш ответ» «Tubular Bells»), и романтическая дымка светло-печальных образов, и меланхолическое настроение. При этом Шульце помнит, какой сейчас год на дворе, на стойке с аппаратурой перед ним стоит «яблочный» MacBook, символизируя, что не аналогом единым жива сейчас музыка. «Классическое» звучание помножено на неторопливые (вообще не склонные к разгону и импульсивности) притрансованные ритмы, несущие на себе привычно долгие гипнотические чередования электронных звуков, среди которых космическая пустота прошлого уступает место светлому и благостному настрою, превалирующему в творчестве Клауса в последние годы. Последующие композиции следуют заданным ориентирам, но в них музыкант уже по максимуму использует мощь симфонических сэмплов и церковных хоралов, пропущенных через вокодер и прочие примочки, чтобы добавить в музыку размаха, величия и пафоса, с каким ныне подходят к воплощению разного рода апокалиптических пророчеств. Видимо, материал на этих двух дисках был записан в разные дни, потому что треки на них «грешат» одинаковым началом и развитием, когда шумовая абстракция выкрученных ручек синтезаторов переходит в узнаваемые секвенции, порой неоправданно долгие. Так, центральная тема «La Joyeuse Apocalypse» очень растянута по времени, отчего теряется связь между грандиозным стартом и чилаутным финишем. В ритмических конструкциях, кстати, неожиданно преобладают трайбл-мотивы, выраженные в ломкой шаманской перкуссии, или же нервно пульсирующие биты, отсылающие к техно-культуре и тем шажкам по ее просторам, которые Шульце делал на альбоме «Trance Appeal». Но ни это, конечно, главные сюрпризы для искушенного фаната. Вот возможность услышать, как кумир играет на гитаре – это да, это сюрприз. Происходит это в финале «Sequencers Are Beautiful» и делает это Клаус..как бы это сказать…в своей характерной манере, в которую, на мой вкус, абстрактные переборы струн мало вписываются. Зато интересно.

     «Big in Japan» кажется веянием нового звучания Шульце, в котором мрачноватые раздумья и психоделические опыты уступают место светлым тенденциям, с ходу минующим и тот напускной «средневековый» романтизм совместных с Джеральд релизов. Тенденции эти, может быть, кажутся менее содержательными, но мастерство Клауса все также превращает их прослушивание в занимательные экспириенсы, движимые удивительной энергетикой немецкого гения.

http://www.migmusic.de

Il Grande Silenzio – Il Grande Silenzio

il grande silenzio
Two Acorns, 2A02, 2012

1. Home
2. OTO
3. November
4. Rust
5. Blanket
6. Forest
7. Kettle

     Японские музыканты Минору Сато и Атсуо Огава взяли из «спагетти-вестернов» не только название «Il Grande Silenzio» для своего дуэта, но и очень известный, хотя и далеко не всеми любимый и воспринимаемый без иронии инструмент банджо. На нем играет Огава, добавляя иногда звучание своего голоса (как правило, неразборчивое бормотание или тихое завывание), в то время, как Сато извлекает звуки из самодельного, существующего в единственном экземпляре инструменте «RP3M», или же «roll paper punching program machine» – не сильно удивлюсь, если это каким-то хитрым образом переработанный факс или принтер. Для дуэта этот альбом стал дебютным, но его участники довольно известны в мире экспериментальной музыки, а появлению диска на свет способствовало их знакомство и совместные перфомансы с проживающим ныне в Японии Уиллом Лонгом («Celer»), который и издал «Il Grande Silenzio» своем лейбле «Two Acorns».

     Я как-то стал замечать за собой (минутка объективности), что с годами все труднее воспринимаю японскую импровизационную музыку. Видимо, разница менталитетов или наращиваемый, надеюсь, с годами опыт слушателя, делают нас, простого россиянина и сынов страны Восходящего Солнца, все дальше друг от друга в эстетическом плане. Гарантией хорошо проведенного времени в компании с этой музыкой для меня стало участие Лонга хотя бы в качестве издателя и полное доверие его вкусу – но, о вкусах не спорят даже с очень уважаемым музыкантом, так что придется констатировать, что та грань реальности, на которой эксперименты японского дуэта представляют хоть какой-то интерес, находится от меня на некотором отдалении. Что же здесь происходит? Как звучит музыка, которую сами авторы посвятили навсегда ушедшим от нас вещам, еле слышные звуки которых еще доносятся до нас эхом? Совсем не так, как это звучало бы у тех же «Celer». С первых же минут фантазия рисует заброшенный, но, надо отдать должное, светлый и заботливо ухоженный пустой сарайчик где-то на пересечении пыльных дорог безграничной прерии. В нем и сидят два человека, один из которых очень монотонно перебирает струны банджо, периодически оглашая замкнутое пространство тихим, бессвязным напевом или обрывками фраз, а второй издает с помощью неведомой машины разные шумы. Шумы цикличные и довольно миролюбивые, как правило, это позвякивание в такт колокольчиков или дребезжащие звуки, не заполняющие все пространство и оставляющие много места для тишины. Не забыта и акустика помещения, очень точно переданы скрипучие шаги, шарканье, блуждание ветра за тонкими деревянными стенами. Сказать, что помимо этого в мирке «Il Grande Silenzio» происходит что-то очень интересное в творческом и культурном плане я не могу, это импровизация «под настроение», видимо, нужно быть немного японцем (любящем итальянские вестерны), чтобы понять всю суть происходящего. Заторможенность музыки прорывается только один раз, в «Rust», когда шумы на несколько минут позволяют себе заполнить все вокруг своим клокотанием, показывая, что и здесь что-то может меняться и развиваться.

      Одним словом, материал на любителя. Любители восточной импровизационной и экспериментальной музыки – обратите внимание на «Il Grande Silenzio».

http://www.thesingularwe.org/twoacorns