Уезжаю на море, чего и всем друзьям желаю. Увидимся и услышимся через пару-тройку недель!
Monthly Archives: June 2012
Yannick Franck & Pietro Riparbelli – Whinny Muir
Silentes Minimal Editions, sme 1148, 2011
Тема посмертного (Не)Бытия традиционно является одной из самых табуированных и, одновременно, самых притягательных тем. Пройдя сквозь поколения, сквозь временные отрезки, пережив первый грех, расцвет и падение цивилизаций, эта тема все еще долбится в висок монотонным и пугающим вопросом «а что дальше?», у человека творческого вызывая полет фантазии, а у человека «обычного» – приступы иррационального страха, гасимые лишь религиозной и ничем особенно не подкрепленной верой. К этой теме обращались многие авторы, в их чреде бельгиец Янник Франк и итальянец Пьетро Рибарбелли далеко не первые, и, конечно же, учитывая специфику выбранной музыкальной формы, их мнение будет услышано ограниченным кругом слушателей, которые смогут пройти путь по пустоши Whinny Muir и дойти до ворот Рая.
О Whinny Muir повествуют английские легенды и песни, одну из которых, похоронную песнь 14-го века из Северного Йоркшира, Янник поет в самом конце пути. До появления человеческого голоса путешествие одинокого странника проходит в довольно удручающих условиях, требующих выдержки и силы воли. Музыканты очень точно уловили момент отчаяния, опустошенности, ощущение опасности и неизвестности, при этом не забывая, куда лежит этот путь. Атмосфера пустыни воссоздана при помощи тягучего, медленно и плавно накатывающего гула, быстро растворяющегося в общей звуковой массе, традиционно для Рипарбелли замешанной на радиошумах и пустотах, на эмоциональных и волнительных шумовых атаках обратной связи, сбивающих с ног одинокую душу тяжелыми порывами ветра. Выхолощенный треск эфира, в который потерянным эхом вклиниваются обрывки мелодий, становится символом того, что осталось Там, за спиной. Колючая тишина, электромагнитные аномалии, низкочастотные резонансы, призваны заполнить всеобъемлющую тишину этого места, но на деле еще больше подчеркивают ее. Напоминанием о том, что ждет впереди, о Рае, служат органные прелюдии, размытые оперные партии и симфонические петли, позаимствованные из сочинений итальянского композитора эпохи барокко Алессандро Скарлатти. Эти «классические» элементы сакрализируют шумовой эмбиент Янника и Пьетро, особенно в конце, после того, как прозвучат слова песни, о которой говорилось выше, и впереди замаячит яркий свет райских врат, за которыми странствующую душу ждет совсем другая история.
Действительно, сильный материал, в полной мере (хотя, кто же знает?) раскрывающий тему и оставляющий слушателя наедине с раздумьями о Вечном. Для не любящих «заморачиваться» материалистов – просто оригинальный и впечатляющий шумно-эмбиентный монолит, накрывающий с головой.
Filivs Macrocosmi & Charadriiform – Ex Vivo
A5 Production – AP-08, OMS Records – OMSCD04, 2012
- Ex Vivo (44:45)
Мечты человечества о полете в космос воплотились в жизнь 12 апреля 1961 года. С тех пор ракеты стартовали с должной регулярностью, уносясь в небо под восхищенные взгляды мальчишек, девчонок и более степенных и взрослых граждан, которые в своих мечтах грезили только о том, чтобы стать космонавтами. Многие их них не задумывались о проблемах и трагедиях, связанных с освоением космического пространства – переживали, конечно, всем сердцем неизбежные потери, но упорно шли на свет радостной улыбки Юрия Гагарина, веря в то, что нет профессии романтичнее и прекраснее. Время, накопленный опыт, рассказы очевидцев, рассекреченные архивы и научные исследования немного остудили пыл и позволили многим взглянуть на вопрос непредвзято.
Не секрет, что тема Космоса – одна из самых популярных среди музыкантов индустриального подполья. Она дает неограниченные возможности в плане создания новых звуковых миров, и наталкивает порой на весьма мизантропические мысли. На альбоме «Ex Vivo» украинские музыканты «Filivs Macrocosmi» и «Charadriiform» не задаются глобальными вопросами мироздания и не сталкивают между собой галактики и звезды. Они акцентируют внимание не «темной» стороне космической программы, на вопросах, о которых каждый уважающий себя человек, находящийся в центре подготовки космонавтов, в исторгающей тонны горящего топлива ракете или на орбитальной станции, думает регулярно, несмотря на психическую подготовку. Риск погибнуть, пребывание на грани жизни и смерти, где баланс зависит от исправности оборудования, и, самое важное – одиночество человека в бесконечной пустоте, накатывающее безумие, тоска по дому, который виден в иллюминаторе, но совершенно недосягаем. Стоит задуматься об этом, и музыка украинцев предстает в совершенно новом свете. Их музыкальное видение этих аспектов – отстраненный, изоляционистский dark ambient, пробирающийся сквозь обшивку корабля холодом, высасывающий воздух, мысли и воспоминания. Там, где лично я ждал «бэдсекторовщины», я нашел огромные пласты безжизненного и всеохватывающего звука, замкнутую атмосферу, гул оборудования и монотонную морзянку сигналов оборудования. Со звучанием и настроением у «Ex Vivo» вообще все в порядке – а вот у героя альбома, похоже, серьезные проблемы. Клаустрофобия расщепляет сознание, одиночество грызет, темнота Космоса дышит в иллюминатор, зовет пугающим шепотом, сводит с ума. Взгляд же на родную планету вызывает малоизученный эффект – многие космонавты рассказывали, что могли увидеть невооруженным глазом не только очертания континентов, но и более мелкие детали, вплоть до улиц и домов. Здесь гул и мрак сливаются в шум набегающих на берег волн, взгляд на мерцающую поверхность моря успокаивает, не давая оборвать связь с привычным миром.
К Сергею Свистельнику («Filivs Macrocosmi») у меня традиционно одна «претензия» – редко выпускает он новый материал, хотя и очень метко. О «Ex Vivo» могу сказать только хорошее: традиционный, даже классический темный эмбиент, хорошо раскрывающий тему, серьезная работа со звуком, никакого подражательства. Масса эмоций и впечатлений, разбираться с которыми предстоит уже самому слушателю. Хотелось бы, чтобы когда-нибудь этот альбом послушал настоящий космонавт и рассказал, насколько точны в своих фантазиях музыканты.
Dark Phenomenon – Disfavour
ScentAir – SA004, 2012
1. People’s Talents
2. Testament
3. Exercise Book’s Ink
4. Act Of Cruetly
5. Now And Then
6. Possible For All
7. The Wrongtime
8. All’s For Nothing
9. Dilemma
10. Without You
11. Love Is True
Прежде всего, не стоит обманываться словом «Dark» в названии проекта краснодарского музыканта Романа Радченко. Иначе можно заочно записать «Dark Phenomenon» в стан адептов <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>dark–electro и прочих «готических» жанров, которые уже себя исчерпали, но все еще толкают на однообразные подвиги молодых исполнителей. Пресыщение этим вызвало у многих слушателей диаметрально противоположные реакции – в моде снова винтаж, аналоговый саунд, ретро-романтика. Объяснение этому можно найти еще и в особенностях человеческой памяти: да, под музыку каких-нибудь «Suicide Commando» можно отлично попрыгать на танцполе, но вот затертая кассета с альбомом «Depeche Mode» или «Roxette», подаренная в каком-нибудь среднем классе средней школы девочке, которая тебе очень нравилась в те годы, всплывет в памяти гораздо более приятным и светлым воспоминанием.
На «Disfavour» отлично чувствует себя дух восьмидесятых, и любовь к музыке этого периода выражается в любви к «трем китам»: «Depeche Mode», «Pet Shop Boys» и «New Order». Например, «People’s Talents» демонстрирует переходные моменты от ньювейва к синтипопу, и, слушая эту песню, начинаешь вспоминать многое – гармонии, эстетику жанра, манеру исполнения (скорее Теннант, нежели Гор или тем более Гэан). Все это Радченко использует очень умело, вроде и копируя немного, и, в то же время, добавляя что-то свое, например, многочисленные партии клавишных, демонстрирующие наличие музыкального образования. «Testament» – стопроцентный хит, ритмичный, с отличными басовыми линиями и с моментально ложащейся на слух мелодикой, подкупающий построением и исполнением вокальной партии. Я бы, честно говоря, этот трек не ставил так близко от начала альбома, есть шансы сильно на нем зависнуть, гоняя по кругу, не двигаясь дальше. В этой песне с первых же минут все кажется таким знакомым, что ее встречаешь как хорошего друга. «Exercise Book’s Ink» – более быстрая, более напряженная, более «депешисткая» композиция, где-то на уровне «Construction Time Again», в частности, ее ритм заставляет вспомнить «More Than a Party». «Act Of Cruetly» – на фоне аккуратных клавиш появляется жесткость (согласно теме) в аранжировке и в голосе, по железякам никто не стучит и мрака не нагоняет, но некоторые электронные звуки ложатся, скажем так, с «холодком». В противовес этому следующая далее «Now And Then» звучит более позитивно и танцевально, это трек явно для танцпола, хотя в текстах Роман уходит в политику, не столько критикуя, сколько задавая неудобные вопросы. Стоит отвлечься и поговорить о текстах: они как раз вступают в противоречие с юношеским максимализмом и романтикой «восьмидесятых», эти интровертные слова – слова человека, который оглядывается в прошлое, и видит там не радужные картины, а пепел надежд и разбитые чувства, но, тем не менее, находит силы жить дальше. Кстати, текст «Testament» неким образом перекликается со строчками «I love you, you pay my rent» из хита «Rent» «Мальчиков из Зоомагазина». Вообще, отсылки к творчеству дуэта Теннант/Лоу на второй половине «Disfavour», ярче всего проявились в «<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>Love <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>Is <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>True», еще одном ударном хите, вобравшем в себя еще и характерные черты стиля «евроденс». Но до этого Роман удивит слушателя внезапно проступившей панк-энергетикой, соединив ее с совершенно олдскульным синтипопом с дребезжащими клавишными в «The Wrongtime» и создав на ее основе одну из глав многочастной композиции «All’<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>s <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>For <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>Nothing», где можно услышать живую гитару. Интересно вступление «Dilemma», сделанное под «классику» с изрядной долей иронии, приятно ложится на слух лиричная и, наверное, очень личная вещь «Without You», в полной мере, и в аранжировках, и в словах, раскрывая присущую «техно-романтикам» тему меланхолии и потерь.
Неожиданно, но этот диск стал для меня, наверное, самым главным открытием последних нескольких месяцев. За пару прослушиваний буквально растасканный на хиты «Disfavour» прочно обосновался в фаворитах, подкупив не столько ностальгическим звучанием, сколько тем уважением, с которым «Dark Phenomenon» заимствует лучшее от лучших, не теряя своего лица и дополняя заводные треки и лиричные баллады личными искренними переживаниями. Сейчас такой музыки исполняют удручающе мало, а жаль.
Чья-то дипломная короткометражка про эмбиент
Остается только один вопрос – кто все эти люди, которые выступают в роли комментаторов?:)
Lysn – Ecstatic Landing
Aquarellist – aquarel 20-12, 2012
1. Clouds Rising (9:26)
2. Thor's Feathers (40:01)
3. Ecstatic Landing (29:49)
«Lysn» – проект Хилари Джеффри, тромбониста «The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble» и «The Mount Fuji Doomjazz Corporation», значимых коллективов на современной андеграундной сцене, представляющих различные формы джазового звучания, которые вряд ли могли присниться «классикам» жанра, но отлично ложащиеся на слух современного «открытого» слушателя. «The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble» создают саундтреки к фильмам, которые еще только предстоит снять, и отдают дань уважения тем авторам, которые уже доверили свои странные мысли целлулоиду и бумаге – Дэвиду Линчу, например, когда исполняют некое подобие «Твин Пикс джаза». «The Mount Fuji Doomjazz Corporation» склонны к импровизационным выступлениям, на лету выхватывая звуки и образы из пространства надреальности. Закономерно предположить, что, собирая квартет под новым названием «Lysn», Хилари планировал исполнять что-то другое – не абсолютно, но другое. И он вместе с коллегами эти ожидания полностью оправдал.
Слово «психоделический», вполне уместное для описания этого альбома, подразумевает использование веществ, запрещенных законом, но знакомых многим творческим людям. Долго промаявшись с хотя бы более-менее конкретным описанием «Ecstatic Landing», я не придумал ничего лучше, чем разделить альбом на три части, согласно трек-листу: «еще не накрыло», «накрыло», «отпустило». «Clouds Rising», например, звучит спокойно и размеренно, но в ней, в гуще абстрактных электронных звуков (звучащих архаично, в духе «кислотных» опытов с синтезаторами середины семидесятых), которые срываются с места и улетают прямо в ночное небо, подхватывая подрагивающие паутинки гитарных партий. Здесь чувствуется ожидание чего-то, странный зуд, подчеркнутый и беспокойной перкуссией, и гудением баса, и сосредоточенными, сфокусированными на себе партиями тромбона. Привычная реальность, выраженная озерной гладью обложки диска, постепенно меняется, на ровной поверхности появляются волны, разбивающие отражения на миллионы осколков, образующих новые калейдоскопические картинки. «Thor's Feathers» уже звучит более жестко и «программно» для группы, которой понадобилось сорок минут, чтобы продемонстрировать все свои идеи. Музыка превратилась в пластичный материал, которому можно придать любую форму, и которую этой формы можно легко лишить. Трек постепенно сдвигается от психоделического дрона (но никак не эмбиента), инспирированного тромбоном, гитарными тремоло и сумасбродной электроникой к плотным шумовым наслоениям, в недрах которых бьется нервный ритм и мечется дребезжащая, отчаянно шуршащая и грохочущая, а порой и болтающаяся без дела перкуссия. Здесь есть место и галлюцинациям, и осознанным желаниям пережить самый странный психический опыт в своей жизни, и робкой надежде на то, что скоро «отпустит» и все станет как раньше. Финал трека – необузданная импровизация, дающая возможность прочувствовать всю глубину музыки, разглядеть все фрагменты, находящиеся в свободном падении и понять, насколько то, что происходит, близко к джазовой культуре с ее свободой. Финал альбома – «отходняк» «Ecstatic Landing». Вещь медитативная, она уже не вышвыривает на берег реальности, чтобы тут же утопить в океане иррационального, она просто сопровождает слушателя, вполне даже зримо присутствуя рядом приятным урчанием баса, шипящим гулом тромбона, дабовыми ритмами и, конечно же, мощной перкуссией, закрывающей любые пустоты, остающиеся после партий других инструментов.
Подобную музыку не хочется классифицировать избитыми метками «интересная», «странная», «понравилось», «не понравилось» – ее нужно впустить в себя и внимательно посмотреть, за что и как она зацепится в глубинах вашего подсознания, что вытащит наружу, а что навсегда оставит в таинственных, недосягаемых зонах. Так что это тоже саундтрек – но саундтрек не для фильмов или мультиков, не для картин или инсталляций. Это саундтрек для непознанного.
Dasein – Vacuum 2.0
Valgriind, VG51, 2012
«Vacuum 2.0» – новый/старый альбом московского музыканта Аскета, изданный в 2008 году первый релиз его проекта «Dasein», переосмысленный и дополненный автором в 2011 году и выпушеный в виде второй версии, в оформлении которой космические координаты уступили место вырезке из немецкоязычной газеты. Я бы хотел узнать, как эта музыка связана с понятием «Dasein» из философии Хайдеггера, настолько философия Аскета близка с этой философией и как это проявлено в звучании диска, какой вакуум, в конце концов, должны заполнить эти звуки, физический или духовный. Ответов, однако, мало, информация об издании скупа, поэтому приходится положиться на собственные впечатления от прослушивания, так будет надежнее.
Аскет также успешно творит в рамках «Fanum», акцентируя свое внимание и внимание слушателей на сакральном аспекте звука, исследовании тайного и священного. «Dasein» тоже склоняется (на данной, ранней стадии) к drone-эстетике, но звучание «Вакуума» значительно отличается от застывших в Вечности монолитов, созданных под именем альтер эго. Дрон «Dasein» такой же плотный, монотонный и напряженно резонирующий, но он не накрывает медленно с головой, он практически штурмует сознание, превращаясь в непреодолимую силу. Несколько минут у меня было полное ощущение, что я нахожусь прямо перед работающей турбиной самолета, и несколько секунд это ощущение даже подвигло на размышления о бытие и вакууме, настолько всеобъемлющей предстала эта махина резонирующего гула, и настолько незначительным и жалким на ее фоне выглядело все остальное. Эта мощь, тридцать минут, растянувшихся на долгие века, казалась незыблемой, но ближе к финалу распад настиг эту гору гула и окружившие ее звуковые петли и спирали, инициировав распад, долгий и беспощадный; балансирование на грани шума, явно «читавшееся» на всем протяжении композиции, нарушилось, но, спасибо автору, осталось за границами альбома. Стоит отметить, что не терпящая пустоты природа активно предпринимала здесь попытки заполнить вакуум своими привычными звуками, внедряя шум воды, дыхание ветра и пение птиц, что на как-то время помогало смириться с этой всепоглощающей, обездвиживающей статикой Небытия. Заслуживающий внимания материал, но с тех пор Аскет явно продвинулся дальше во всех смыслах творчества.
Vanderson – Synthetic Breath
Generator records, GEN CD 025, 2012
1. A Tribute To Tangerine Dream (6:00)
2. Planet Of Visions (12:01)
3. Sunrain (07:00)
4. Synthasy (9:54)
5. Final Sequence (8:57)
6. Psychedelic Brunch (15:08)
Если сопоставить оформление предыдущего альбома Вандерсона «Visions», запечатлевшее гуляющего по другой планете космонавта в скафандре, с обложкой его нового диска «Synthetic Breath», то история этого неизвестного первооткрывателя предстает в трагическом виде. Сгустившиеся тучи, темные ландшафты, разбитый шлем…Может статься, однако, что этот шлем стал символом освобождения человека от сдерживающих оков – кто его знает, что там с кислородом, на неведомых планетах? Может быть, синтетическое дыхание, вынесенное в заглавие альбома, стало спасением в нарисованном фантазией художника фантастическом мире? Да, интересная история – к счастью, Вандерсон приложил массу усилий, чтобы поведать нам не только об этом. Его «главная» история – это история электронной музыки, в частности, альбом «Synthetic Breath» целиком и полностью посвящен выражению глубокого почтения и переосмыслению канонов т.н. «берлинской школы».
Основа «берлинки» – секвенции, и именно с их помощью Вандерсон создает музыку, программируя бесконечности «трансовых» звуков, задающих динамику композиции, ее настроение, которое традиционно можно описать как «космическая романтика». Технические революции и стремительное завоевание космического пространства в свое время подвигли музыкантов на футуристические фантазии, в которых яблоки цвели не только на Марсе, но и на планетах в других Галактиках – правда, многие родоначальники жанра быстро покинули космос и ушли в философию внутренних пространств, но их последователям, музыкантам «второй» и «третьей» волны, странствия по просторам Вселенной оказались все-таки более интересными. Создавая трибьют «Tangerine Dream» или погружаясь в потоки «Солнечного дождя», Вандерсон старательно воссоздает классическое звучание, озаботившись даже характерным аналоговым саундом винтажных синтезаторов для полной видимости того, что его треки были созданы еще в те времена, когда Эдгар Фрезе сотоварищи мечтали об Альфа Центавре, а Клаус Шульце пытался поймать ветер времени. Не забыты флейтовые медитации Стива Джоллиффа (здесь они, правда, не живые, а синтезированные) и размашистые «симфонические» вступления, еще больше расширяющие необозримые пейзажи других планет. Секвенции иногда разгоняются до легкого, ломаного ритма, а в самой глубине звуковых пульсаций зарождаются лаконичные и атмосферные мелодии, тут же подхватываемые узнаваемой психоделией Муговского синтезатора, без которого, согласитесь, история «берлинки» была бы не полной.
Что касается четкого соблюдения стилевых приемов, то «Synthetic Breath», безусловно, альбом очень стильный. Ну а ответом на возникшие вопросы «зачем тогда это слушать, если все уже много раз сыграно отцами-основателями?» стоит ответить, что Вандерсону вполне хватило бы таланта, чтобы в эту когорту отцов успешно войти. Просто время не совпало, но что с того? Оно вообще понятие относительное, и где-то, вдали от нас, одинокий космонавт все еще бредет по полям Новой Земли, где-то вспыхивают звезды и гаснут звезды, сталкиваются галактики и образуются новые миры. Об этом всегда приятно помечтать под хорошую музыку.
Inter-Connection – Traces From Heaven
ScentAir – SA006, 2012
1. You Could Be Kind (4:56)
2. Shut My Eyes (3:42)
3. Traces From Heaven (5:17)
4. Cry (3:26)
5. So Near So Far (4:27)
6. Riding Out The Storm (5:24)
7. Never Again (4:27)
8. Silence (3:56)
9. My Wilderness (5:01)
10. What Can I Do? (4:00)
11. Reaching Out (6:54)
Проект «Inter-Connection» изначально задумывался как «кавер группа» – основатели, Рене Теббе и Пол Роджер (покинувший коллектив еще до выхода «Traces From Heaven»), планировали исполнять песни Винса Кларка, записанные для «Erasure» и «Yazoo». Затем к ним присоединились итальянец Джузеппе Каландрини и израильтянка Ревитал Бен Хемо, и в этом интернациональном составе «Inter-Connection» сделали первые шаги к собственному, оригинальному творчеству. Любовь к синтипоп-классике, правда, никуда не делась, и квартет успел перепеть хиты таких «монстров», как «Depeche Mode» (после исполнения «Waiting for the Night» «депешисты» обратили на новичков пристальное внимание), «Tears for Fears», «Ultravox», «Eurythmics», «Soft Cell», прежде чем засесть в студии, записать альбом и представить его публике – сначала в цифровом формате, потом на физическом носителе.
Приведенный выше список подскажет, чего стоит ждать от «Traces From Heaven». Но, набив руку на изготовлении каверов, музыканты пошли своим путем, взяв, безусловно, что-то лучшее от любимых исполнителей, но и не забывая о собственном лице. Под не совсем стандартной и где-то даже тревожной обложкой скрывается качественный и стильный синтипоп в лучшем смысле этого слова – смею заверить, поклонникам жанра здесь есть, что послушать. Вокал в основном женский, и это одно из главных достоинств – поет израильтянка вроде бы и не слишком эмоционально, в чем-то копируя манеру итальянской «холодной волны», поднятой в свое время «Kirlian Camera», но, безусловно, красиво, интонации способны проникнуть, что называется, под кожу, зацепить. Но открывается альбом «мужским» треком «You Could Be Kind», демонстрирующим, что Джузеппе избежал уже не популярной участи копировать Дейва Гэана, скорее, наоборот, его манера исполнения близка к голосам молодого поколения синти-романтиков, оплотом для которых стал американский лейбл «A Different Drum». Хотя, когда он поет в припеве заглавную строчку песни, проскакивают очень знакомые интонации. Закрывая тему «депешей» (ибо у «Inter-Connection» она не является превалирующей), замечу, что мелодия «Traces From Heaven» очень напоминает вступление «But Not Tonight» – и, открывая тему восхищения этим альбомом, замечу, что трек «Traces From Heaven» можно смело назвать настоящим хитом. Не просто хитом, а «<span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language:
EN-GB”>repeat-хитом», треком, который способен оккупировать вашу стереосистему. Таких хитов (говорю субъективно) здесь можно насчитать еще штуки четыре – «You Could Be Kind», «Shut My Eyes», «Riding Out The Storm» и «Never Again». Остальные вещи, впрочем, тоже не дают повода нажимать кнопку «forward» – пространство альбома, вообще говоря, очень целостное и гармоничное, здесь нет диссонирующих или излишне выделяющихся элементов, все очень четко и уместно. Одной из причин этого стало умелое чередование ритмов, когда среднетемповый, но плотный бит одной песни сменяется почти что танцевальным в следующей композиции, не превращающейся в типичный «клубный боевик», но способной подвигнуть на движение танцпол. Аранжировки просты и гармоничны, в них лаконичные, и, скажем так, вполне «жанровые» мелодии слились с немного нуарным, атмосферным фоном, придающим особое, меланхолично-романтическое настроение музыке, позволяющей себе дозированные дозы чувственности и малую толику эмоциональной жесткости.
«Traces From Heaven» – достойный пристального внимания альбом не только в стане любителей синтипопа. Здесь есть и потенциальные радиохиты, и медленные баллады, и довольно бодрые треки, ни главное – здесь есть дух восьмидесятых, помноженный на технологичный, скрупулезно выверенный современный саунд.
AKPAN – dBal-phur bond-pa
Стрелы Перуна – СП024, 2012
<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>1. introduction ceremony
mgon po ber nag can – kalamantra I
<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>mgon po ber nag can – kalamantra II
ceremony termination (<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>32:31)
Довелось однажды услышать рассказ бывалого путешественника, который на стадии «домашне-книжных» скитаний по миру просто бредил Тибетом, представляя себе эту дивную местность колыбелью человечества и сокровищницей знаний. Проведя же там примерно полгода, он с содроганием произносил это слово, а от вопросов рассказать о местных обитателях и их обычаях его трясло. Чем дальше в горы, тем более дики и необразованны коренные жители, тем глубже погружены они в мракобесие, буддистские нравоучения и каноны миролюбия здесь, в горных деревушках, не ночевали с тех самых времен, как буддизм постепенно вытеснил (но только не отсюда) мрачные традиции религии Бон. Стоит задать не тот вопрос – в тебя полетят камни, а проводник откажется вести дальше; за каждым кустом, в каждой расселине живет по десятку демонов, и сосуществование с ними этим людям никак не идет на пользу. Растиражированная улыбка Далай-Ламы быстро сменяется оскалом местного шамана, раскинувшим кости и созывающим обитателей загробного мира.
Новый альбом «Akpan» «dBal-phur bond-pa» (созданный при участии Сергея Габбасова, автора «<span lang="EN-GB" style="mso-ansi-language:
EN-GB”>Vazhes» и «Bardo») приглашает поучаствовать в одной из церемоний. Безостановочное ритуальное действо на сей раз пропитано гораздо меньшим количеством колющегося и царапающего шума, но поток звуков по-прежнему очень плотный, насыщенный. Достигается это благодаря внушительному набору редких этнических инструментов, многие из которых, например, флейта канглинг из берцовой кости человека, предназначены только для использования во время ритуалов общения с духами, в праздных целях играть на них не рекомендуется. И спустя несколько минут прослушивания, когда медитативное вступление «introduction <span lang="EN-US" style="mso-ansi-language:
EN-US”>ceremony» сменяет первая часть «mgon po ber nag can – kalamantra» и на смену гулу поющих чащ приходят туго закрученные и сдобренные шумом звуковые петли, подобные запреты перестают казаться пережитками темного духовного прошлого. В дело вступают голоса – сначала люди поют короткие мантры, фрагменты которых в вихревом потоке наслаиваются друг на друга. Потом поток слов и утробного горлового пения уплотняется, аккумулируя вихри темной энергии, с которыми в наш мир прорываются демоны, чьи голоса и крики становятся частью этого действа, дикого, древнего, опасного и безумного ритуала. Ритуала, подхваченного в конце монотонным ритмом, призванным сдержать существ с Той стороны и вытребовать у них что-то для себя и для своей деревни: защиты, воды, еды и прочих благ. «dBal-phur bond-pa» – выполнение условий извечного пакта о перемирии, который для простых людей, следующих ему веками, превратился и в смысл жизни, и отраву, пропитавшую души страхом и предрассудками.
Минимализация шумовых «излишеств» пошла «Akpan» на пользу. Запись вышла очень аутентичной, в ней прослеживаются мотивы, которые, при некотором развитии, могли бы подтянуть этот проект в будущем до уровня «Phurpa» (как вариант), или же оставить его в гордом одиночестве единолично выпестованного стиля на недосягаемой вершине. Мистикам, адептам и интересующимся стоит это услышать.
darkroomrituals 